Der Dialog

Der Dialog (Originaltitel The Conversation) ist ein US-amerikanischer Thriller von Francis Ford Coppola aus dem Jahr 1974. Die Geschichte um einen Abhörspezialisten (Gene Hackman), der sich durch seine Bespitzelungstätigkeit in einen Mord verstrickt, erhielt den Grand Prix bei den 27. Filmfestspielen von Cannes sowie drei Oscar-Nominierungen. Während der Publikumserfolg ausblieb, gilt der Film inzwischen als Klassiker des New Hollywood.

Die Eröffnungssequenz bietet einen Blick auf den Union Square in San Francisco aus der Vogelperspektive. Die Kamera fährt herab und zeigt einen Pantomimen. Unter den Passanten, die der Pantomime nachahmt, befindet sich ein Mann, dem die Imitation und die Aufmerksamkeit, die dadurch erregt wird, sichtlich unangenehm sind. Der Mann ist der Überwachungsexperte und Abhörspezialist Harry Caul, der mit seinem Team, postiert auf dem Platz und in den umliegenden Hochhäusern, das junge Paar Ann und Mark überwacht und seine Unterhaltung auf Tonbänder aufnimmt.

Privat führt Caul ein sehr zurückgezogenes und einsames Leben. Seine einzige Leidenschaft außerhalb der Abhörung ist Jazzmusik, wobei er selbst ein talentierter Saxofonist ist. Außerdem ist Caul sehr religiös und duldet keine blasphemischen Äußerungen.

Später schneidet Caul in seinen Geschäftsräumen, in einer leeren Lagerhalle, im Beisein seines Mitarbeiters Stan die Tonbänder der Observation zu einer einzigen Version zusammen. Dabei weist er Stan schroff zurecht, als dieser mehr über die Hintergründe des Auftrags wissen möchte. Die goldene Regel ihres Gewerbes sei die Nichteinmischung in die Angelegenheiten der Klienten, so Caul. Bei einem Anruf aus einer Telefonzelle erfährt er, dass sein Auftraggeber, der „Direktor“, nicht zu erreichen ist.

Caul besucht seine Geliebte Amy in deren Wohnung, verlässt sie aber schnell wieder, als sie beginnt, ihm persönliche Fragen zu stellen. Am nächsten Tag sucht Caul die Firma des Direktors auf, um diesem die Bänder persönlich auszuhändigen, wird jedoch von dessen Assistenten Martin Stett empfangen. Als Caul sich weigert, Stett die Aufnahmen zu übergeben, weil der Direktor angeblich nicht im Hause als auch nicht im Lande sei, gibt dieser ihm zu verstehen, dass die Bänder gefährlich seien und warnt ihn vor persönlicher Einmischung. Beim Verlassen der Firma trifft Caul sowohl auf Mark als auch auf Ann, die mit ihm im Aufzug fährt. In seine Werkstatt zurückgekehrt, hört Caul die Bänder wieder und wieder ab, um hinter ihr Geheimnis zu kommen (womit er nun selbst gegen die goldene Regel der Nichteinmischung verstößt). Er stößt schließlich auf eine von Störgeräuschen überlagerte Passage, aus der er nach Einsatz eines Entstörfilters den Satz “He’d kill us if he got the chance.” („Er würde uns umbringen, wenn er es könnte.“) herauszuhören glaubt. Caul, nun in Sorge, seine Arbeit könnte den jungen Leuten Schaden zufügen, geht in eine Kirche und legt die Beichte ab.

Tags darauf besucht Caul eine Messe für Sicherheits- und Abhörtechnik. Er entdeckt, dass Martin Stett ebenfalls auf der Veranstaltung ist und fühlt sich verfolgt. Er erfährt außerdem, dass sein Mitarbeiter Stan inzwischen zu seinem Konkurrenten Bernie Moran übergelaufen ist, nachdem er sich mit ihm gestritten hatte. Am Abend feiert Caul widerwillig zusammen mit Stan, Moran und einigen anderen Messeteilnehmern eine spontane Party in seinen Geschäftsräumen.

Es wird im Verlauf der Party von Moran offenbart, dass Caul vor einigen Jahren einen Auftrag hatte einen Gewerkschaftsführer abzuhören, was er erfolgreich ausgeführt hat, woraufhin die Frau und Kinder des Mannes brutal ermordet wurden. Zudem zeigt Moran, dass er Caul zum Spaß mit einem Kugelschreiber in Cauls Brusttasche, welchen Moran ihm auf der Messe, scheinbar als Werbegeschenk zugesteckt hatte abgehört hat. Auch als er ein intimes Gespräch abseits der anderen mit Morans Showgirl Meredith hatte. Hierüber ist Caul sehr verärgert und zerbricht den Kugelschreiber.

Meredith bleibt auch nach Ende der Party bei Caul und hat Sex mit ihm. In dieser Nacht träumt Caul von Anns Ermordung. Am nächsten Tag ist Meredith mit den Tonbändern verschwunden. In seinem Appartement bekommt Caul einen Anruf Martin Stetts auf seine Geheimnummer und erfährt, dass der Direktor nun im Besitz der Bänder ist. Caul wird gebeten, seine Entlohnung abzuholen und begibt sich erneut in das Büro des Direktors, wo dieser gemeinsam mit seinem Assistenten Stett die Bänder durchhört. Caul, dessen emotionale Verstrickung in den Auftrag inzwischen unübersehbar ist, verlangt Auskunft darüber, welches Schicksal den Observierten drohen werde, erhält jedoch keine Antwort. Mit einer Mischung aus Wut, Verzweiflung und verlässt Caul aufgebracht das Gebäude.

Caul mietet sich im Jack Tar Hotel ein, da er von den Tonbändern weiß, dass dieses der Treffpunkt des observierten Pärchens ist. Im angrenzenden Hotelzimmer installiert er ein Mikrofon in der Wand und belauscht eine heftige verbale Auseinandersetzung zwischen dem Direktor und Ann. Als Caul daraufhin auf den Balkon hinaustritt, spielt sich die Mordszene aus seinem Albtraum direkt vor seinen Augen ab. Caul kann nicht hinsehen und stürzt in Panik zurück in sein Zimmer, wo er sich unter der Bettdecke verkriecht. Erst Stunden später verschafft er sich Zugang zum Nebenzimmer, das inzwischen verlassen ist und in dem nichts auf ein Verbrechen hinzudeuten scheint. Als Caul jedoch die Toilettenspülung bedient, quillt ihm aus dem verstopften Abfluss Blut entgegen. Caul will den Direktor in dessen Firma zur Rede stellen, doch statt seiner ist es Ann, die er lebend in einem Auto entdeckt; einer Zeitungsmeldung entnimmt er, dass der Direktor bei einem Autounfall ums Leben gekommen ist. Caul muss erkennen, dass er sich in seiner Wahrnehmung vollkommen getäuscht hatte. Nicht Ann, sondern der Direktor wurde ermordet, die vermeintlichen Opfer waren in Wahrheit die Täter und vertuschten den Mord im Hotel als Verkehrsunfall. Wie Caul nun ebenfalls klar wird, musste die verzerrte Passage auf dem Tonband, die ihn auf die falsche Fährte gelockt hatte, korrekterweise nicht „Er würde uns umbringen, wenn er es könnte.“ lauten, sondern „Er würde uns umbringen, wenn er es könnte.“ Der winzige Betonungs-, jedoch gewaltige Bedeutungsunterschied, der ihm zuvor entgangen war, hatte die folgenschwere Fehlinterpretation ausgelöst. (Hinweis: Der Betonungsunterschied ist in der deutschen Synchronfassung nicht zu hören.)

Zurück in seiner Wohnung erhält Caul einen Anruf von Stett. Dieser warnt Caul davor sich weiter einzumischen und teilt ihm mit, dass er abgehört werde und spielt ihm als Beweis eine Aufnahme von Cauls Saxofonspiel vor. Nun völlig von Paranoia zerfressen, beginnt Caul auf der Suche nach der Wanze seine gesamte Wohnung zu zerlegen, wobei der strenge Christ selbst vor seiner Marienstatuette aus Plastik nicht haltmacht. Schließlich gibt er jedoch auf.

Die letzte Szene zeigt Caul wie er in seiner zerstörten Wohnung sein Saxofon spielt. Er hat die Wanze nicht gefunden.

Eine erste Fassung des Skripts durch Coppola entstand bereits Mitte der 1960er-Jahre.^[2] Angeregt wurde er durch ein Gespräch mit Irvin Kershner, in dem es darum ging, die Mehrdeutigkeit von Informationen, die lediglich auf Tonaufnahmen basieren, filmisch umzusetzen. Der Dialog gehörte zu den zehn Skripts, die den Grundstock für Coppolas Produktionsfirma American Zoetrope bildeten.^[3] Es entstanden mehrere Neufassungen, in die Coppola Inspirationen von Michelangelo Antonionis Film Blow Up und das Buch Der Steppenwolf von Hermann Hesse einfließen ließ.^[2] Als sein Vorbild für die Charakterdarstellung in den Dialogen nennt Coppola Tennessee Williams.^[4]

Das Projekt konnte erst nach dem großen finanziellen und künstlerischen Erfolg des Paten realisiert werden. Coppola wollte nach seiner Auftragsarbeit für Paramount, die von Differenzen zwischen Filmgesellschaft und Regisseur geprägt war, einen persönlicheren und kleineren Film nach einem eigenen Originaldrehbuch inszenieren.

Der Dialog war der erste Film der Directors Company, einer Filmgesellschaft, die die Regisseure William Friedkin, Peter Bogdanovich und Coppola gemeinsam gegründet hatten, um ihre Projekte finanziell und künstlerisch unabhängig von den großen Filmgesellschaften durchführen zu können. Coppolas beide Kollegen zeigten sich vom Drehbuch nicht begeistert, hatten aber kein Veto-Recht bezüglich der Realisierung.

Friedkin äußerte sich später: „The Conversation war ein konfuses Plagiat von Antonionis Blow-Up, bei dem Francis den Fotografen durch einen Abhörspezialisten ersetzte.“ Bogdanovich sagte dazu: „Francis behauptete, es würde eine Art Hitchcock-Film werden, doch das Resultat hatte nicht die geringste Ähnlichkeit mit einem Hitchcock-Film.“^[5]

Ursprünglich war für die Titelrolle Marlon Brando vorgesehen, der jedoch kein Interesse an dem Film zeigte.^[2] Schließlich übernahm Gene Hackman, der kurz zuvor durch seine Rolle in French Connection zum Star geworden war, die Rolle des Harry Caul. Mit Brille, Oberlippenbart, schwindendem Haaransatz und Make-up, das ihn etwas älter machte, verwandelte er sich in den einsamen und isolierten Protagonisten. Robert Duvall, der kurz zuvor in Coppolas Der Pate gespielt hatte, trat in einem Cameo als der geheimnisvolle Direktor auf und blieb in den Filmcredits ungenannt.

Die Dreharbeiten begannen am 26. November 1972 auf dem Union Square in San Francisco. Vier Teams mit sechs Kameras filmten aus unterschiedlichen Perspektiven den Dialog des Paares unter technisch schwierigen Bedingungen, da Coppola den Eindruck einer Observation, bei der die Kameras ihr Objekt immer wieder neu „einfangen“ müssen, realistisch darstellen wollte und die Passanten nichts davon ahnten, dass um sie herum ein Film gedreht wurde.^[2]

Die Dreharbeiten verzögerten sich um zehn Tage, weil Kameramann Haskell Wexler sich nicht in der Lage sah, die Sets zufriedenstellend vorzubereiten und auszuleuchten, und gegen Bill Butler ausgetauscht werden musste.^[6] Coppola nutzte diese Unterbrechung, um sich immer wieder den Film Der große Irrtum von Bernardo Bertolucci anzusehen, der ebenso wie Der Dialog das Leben eines von der Außenwelt isolierten Menschen porträtierte.^[2] Aus den geplanten 40 Tagen Drehzeit wurden schließlich 56 Tage, das Budget stieg dadurch von den geplanten 1,6 Millionen Dollar auf 1,9 Millionen Dollar.^[6]

Das Verhältnis zwischen Regisseur und Hauptdarsteller gestaltete sich im Verlauf der Dreharbeiten zunehmend schwierig, da Hackman oft merkwürdig abwesend wirkte. Hackman hatte Schwierigkeiten, eine Figur darzustellen, die konstant ihre Gefühle unterdrückt. Hackman sagte dazu: „Es ist eine deprimierende und schwierige Rolle, weil sie so zurückgenommen ist. In dem Moment, wo man Spaß an ihr hat, weiß man, dass man die Darstellung verfehlt hat.“^[7]

Im März 1973 waren die Dreharbeiten abgeschlossen und Coppola führte eine Rohschnittfassung vor, die bei seinen Kollegen von der Directors Company auf Ablehnung stieß. Walter Murch begann nun die aufwendige Nachbearbeitung des Films in Schnitt und Tonmontage, die fast ein Jahr dauerte. Das Ende wurde sogar mehrfach umgeschnitten und Teile eines als Schlusspunkt geplanten Gesprächs zwischen Caul und Ann in der Traumsequenz verarbeitet. Coppola war unterdessen bereits mit den Vorbereitungen und dem Dreh von Der Pate – Teil II beschäftigt.

Figur	Darsteller	Deutscher Sprecher
Harry Caul	Gene Hackman	Horst Niendorf
Stan, Harrys Mitarbeiter	John Cazale	Wolfgang Draeger
William ‚Bernie‘ Moran, Harrys Konkurrent	Allen Garfield	Heinz Theo Branding
Ann, abgehörte Person	Cindy Williams	Barbara Hampel
Mark, abgehörte Person	Frederic Forrest	Ulrich Gressieker
Paul, Harrys zweiter Mitarbeiter	Michael Higgins	Eric Vaessen
Meredith, Bernies Mitarbeiterin	Elizabeth MacRae	Brigitte Grothum
Amy, Harrys Geliebte	Teri Garr	Dagmar Biener
Martin Stett, Assistent des Direktors	Harrison Ford	Dieter B. Gerlach
Der Direktor	Robert Duvall	Rolf Schult
Rezeptionist	Mark Wheeler	Hans-Jürgen Dittberner

Der Film startete am 7. April 1974, an Coppolas Geburtstag, in den Kinos. Die Premiere fand im Coronet Theatre in New York City statt. Kinostart in der Bundesrepublik war der 12. September 1974. In den Kinos der DDR startete der Film am 26. März 1976.

Die deutsche Synchronfassung entstand anlässlich der deutschen Kinopremiere bei der Berliner Synchron. Das Dialogbuch schrieb Fritz A. Koeniger, die Synchronregie übernahm Dietmar Behnke.^[8]

2000 erschien Der Dialog in Nordamerika auf DVD mit Bildübertragung in anamorphem Widescreen. Der Ton wurde unter Mithilfe von Walter Murch in Dolby Digital 5.1 neu abgemischt. Neben der etwa achtminütigen Featurette Close-up on the Conversation mit Originalaufnahmen vom Dreh und dem Original-Kinotrailer enthält die DVD Audiokommentare von Francis Ford Coppola und Walter Murch.

Am 3. November 2011 erschien Der Dialog im deutschsprachigen Raum auf DVD und Blu-Ray.^[9]

Quelle	Bewertung
Rotten Tomatoes (Tomatometer)	94 %[10]
Metacritic (Metascore)	88/100[11]
AllMovie	[12]
Lexikon des internationalen Films	[13]
Roger Ebert	[14]
They Shoot Pictures, Don’t They?	#150[15]

Die Kritik reagierte überwiegend positiv auf den Dialog, was sich auch in den Auswertungen US-amerikanischer Aggregatoren widerspiegelt. So erfasst Rotten Tomatoes fast ausschließlich wohlwollende Besprechungen und ordnet den Film dementsprechend als „Zertifiziert Frisch“ ein.^[10] Metacritic ermittelt aus den vorliegenden Bewertungen „Einhelliges Lob“.^[11]

Variety bestätigte, er sei „bis jetzt […] Coppolas komplettester, sicherster und preisverdächtigster Film, und die Jahre, die es brauchte, ihn auf die Leinwand zu bringen, waren der Beharrlichkeit wert.“^[16]

Die Jury der Evangelischen Filmarbeit in Deutschland kürte Der Dialog zum „Film des Monats“ und schrieb zum Film: „Die von Coppola erzählte Geschichte eines Abhörspezialisten, der an der Problematik seines Berufes scheitert, verliert auch durch gewisse Elemente des Kolportagehaften, von denen der Film durchsetzt ist, nichts an Eindringlichkeit.“^[17]

Das Lexikon des internationalen Films lobte das Werk als „eine leise, ruhige und brillant inszenierte Studie, die minutiös das Eindringen der Technik in die Intimsphäre des Menschen beschreibt. Ein Alptraum von der Zerstörung des menschlichen Individualbereichs“.^[13]

Der Dialog wurde trotz guter Kritiken kein großer Kinoerfolg. Die obskure Geschichte ohne ausreichende Auflösung irritierte die Zuschauer.^[6] Zudem war das Publikum kurz nach der Watergate-Affäre der Themen Überwachung und Abhörmaßnahmen überdrüssig. Coppola wurde vorgeworfen, er hätte sich an den Skandal thematisch angehängt. Er sagte dazu: „Ich glaube fest, dass der Film besser aufgenommen worden wäre, wenn es Watergate nicht gegeben hätte.“^[6]

Die New York Times meinte, dass Der Dialog gegenüber Coppolas publikumsträchtigen Blockbustern einen schweren Stand hatte: „Das ist vielleicht Coppolas bester Film, der sich in der Publikumsgunst jedoch nie aus dem Schatten seiner übermächtigen Brüder Godfather und Apocalypse Now hinausstehlen kann.“

Roger Ebert blickte im Jahr 2001 in der Chicago Sun-Times auf die Stärken des Films gegenüber aktuellen Thrillern zurück: „Der Dialog stammt aus einer anderen Zeit […] als die Thriller von heute, die oft so einfältig sind. Dieser Film ist eine traurig beobachtende Charakterstudie über einen Mann, der sich selbst aus dem Leben entfernt hat, denkt, er könne es gefühllos elektronisch überwachen und herausfindet, dass alle seine Schutzwälle nutzlos sind. Der Film […] ist absichtlich aus einem voyeuristischen Blickwinkel heraus geplant; wir alle schauen hin, sehen aber nicht alles. Hier ist ein Mann, der die Wahrheit sucht, doch die bleibt immer im Verborgenen.“^[14]

Coppola hält Der Dialog für seinen besten Film: „Es ist ein persönlicher Film, der auf einem selbstverfassten Drehbuch basiert. Er steht dafür, wohin ich meine Karriere lenken wollte.“^[18] TV Guide nannte ihn „einer der Schlüsselfilme der 1970er“. Und They Shoot Pictures, Don’t They? zählt den Dialog zu den 200 angesehensten Werken der Filmgeschichte.^[15]

Gene Hackman spielte 25 Jahre nach Der Dialog im Thriller Der Staatsfeind Nr. 1 mit der Rolle des Brill, eines Überwachungsspezialisten, der selbst Opfer von Überwachung wird, einen Charakter, der deutliche Ähnlichkeiten mit Harry Caul aufweist. Als Referenz auf Der Dialog ist ein altes Szenenfoto Hackmans als Harry Caul in der NSA-Akte Brills zu sehen.^[19]

Nach den Attentaten auf John F. Kennedy, Martin Luther King und Malcolm X und den Enthüllungen der Watergate-Affäre begann sich in den USA in den frühen 1970er-Jahren eine Stimmung der gesellschaftlichen Verunsicherung zu entwickeln. Hollywood spiegelte in Filmen wie Zeuge einer Verschwörung und Die drei Tage des Condor wider, dass Verschwörungstheorien und die Angst vor privater Verfolgung Themen waren, die die Menschen beschäftigten. Der Dialog kann als Beitrag zu dieser Entwicklung gesehen werden.^[20] Coppola sagte dazu in der New York Times: „Der Film soll ein wichtiges Statement zu der albtraumartigen Entwicklung unserer Gesellschaft werden. Das System nutzt alle hochentwickelten elektronischen Möglichkeiten, um unser Privatleben auszuschnüffeln.“^[2] Der Dialog wurde als „Orwellsches Moralstück“^[21] bezeichnet: Gegen den Spion wird spioniert, seine Ausrüstung wird gegen ihn selbst eingesetzt und er zerbricht letztendlich daran.

Harry Caul wird als paranoider Charakter dargestellt: Seine Wohnung ist mit drei Schlössern gesichert; sein Telefon, dessen Nummer niemand wissen darf, bewahrt er in einer Schublade auf. Um beim Zuschauer ein gewisses Mitgefühl mit der an sich eher unsympathischen Hauptperson zu erzeugen, hält der Film strikt Cauls Perspektive bei: Der Zuschauer weiß nur, was Caul zum jeweiligen Zeitpunkt des Films weiß. Es gibt keine erklärenden Nebenszenen, die dem Betrachter einen Wissensvorsprung verschaffen könnten. Coppola setzt selten Totale ein. Es werden meistens nur Ausschnitte der Wirklichkeit sichtbar, wie sie Cauls Sichtweise entsprechen.^[20] Diese selektive Wahrnehmung der Umwelt unterstreicht Coppola mit einem weiteren Stilmittel, nämlich der Wiederholung.^[4] Der Dialog der Beschatteten wird wiederholt abgespielt, und jedes Mal bringt er für Harry neue Aspekte zu Tage, die volle Wahrheit tragischerweise jedoch erst, als es zu spät ist.

Caul ist kein Thriller-Held wie Dirty Harry, der durch eigene Initiative die Handlung vorantreibt, sondern eine private Person wie Michael Corleone im Paten oder Willard in Apocalypse Now. Er blickt wie durch einen Einwegspiegel in die äußere Welt (es gibt eine entsprechende Szene im Überwachungsbus, der mit solchen Spiegeln ausgestattet ist): Er offenbart sich ihr nicht und ist eigentlich im Krieg mit ihr.^[20] Cauls Dilemma ist, dass er einerseits seine eigene Privatsphäre krankhaft schützen will und aus diesem Grund seine eigene Persönlichkeit bis zur Unkenntlichkeit unterdrückt, andererseits aber durch seinen Beruf ständig in die anderer Leute eindringen muss. Dass Cauls Moralvorstellungen dem Katholizismus entstammen, macht diesen Konflikt zusätzlich tragisch.

In der ersten Szene in Cauls Wohnung ist zu sehen, wie vor dem Fenster eine Abrissbirne mit der Zerstörung des gegenüberliegenden Wohnblocks beschäftigt ist – eine erste Allegorie, dass Cauls Privatsphäre einem Angriff ausgesetzt ist. Gegen Ende des Films liegt der Wohnblock komplett in Trümmern; Harry hat den Kampf um die Wahrung seiner Intimität verloren.^[4] Die von Coppola gewählten Sets sind analog zu Cauls Persönlichkeit kühl, unpersönlich und dem Zuschauer unvertraut.^[2] Zusätzlich trägt die Skurrilität der Handlung zu Cauls Verunsicherung bei. Seine Geliebte Amy ist zum Beispiel plötzlich telefonisch nicht mehr zu erreichen, eine Tatsache, für die weder Caul noch dem Zuschauer eine Erklärung geliefert wird.^[20]

Coppola befürchtete, dass die Isoliertheit und der zurückgenommene Charakter seines „Helden“ beim Publikum bewirken würde, kein Mitgefühl mit ihm entwickeln zu können und das Interesse am Film zu verlieren. In der Traumsequenz mit Ann, der einzigen Szene, in der Caul etwas über seine Vergangenheit preisgibt, lässt Coppola Caul erzählen, er habe in seiner Kindheit an Kinderlähmung gelitten. Coppola, der als Kind selbst diese Krankheit überstanden hatte, hoffte, auf diese Weise dem Publikum einen Anhaltspunkt für ein Mitfühlen mit Caul bieten zu können.^[4]

Coppola bezieht sich thematisch auf den Film Blow Up. Ist es bei Antonioni ein Fotograf, der durch seine Arbeit Zeuge eines möglichen Mordes wird, überträgt Coppola diese Handlungsidee auf den Abhörspezialisten Caul, dem dieses nicht aufgrund eines Fotos, sondern einer Tonaufnahme widerfährt. Coppola schafft durch die Figur des Pantomimen auch einen direkten Bezug zu Antonionis Film.^[12]

Die Mordszene im Hotel ist laut Peter W. Jansen und Wolfram Schütte eine Reminiszenz an Psycho: Als Caul nach Spuren des Verbrechens sucht, überprüft er die Dusche nach Kampfspuren. Das Zurückziehen des Duschvorhangs und die Einstellung, die den Ausguss der Dusche zeigt, legen für den Zuschauer eine falsche Fährte, die sich auflöst, als es in Coppolas Film die Toilettenschüssel ist, die die blutigen Überreste des Verbrechens ans Tageslicht befördert. Die Verwendung der Symbolik von Blut und Wasser in dieser Szene erinnert an den Paten, wo Coppola die Szene einer Taufe gegen die eines Blutbades geschnitten hatte.^[6] Walter Murch behauptet jedoch im DVD-Audio-Kommentar, dass er aufgrund eines eigenen Erlebnisses die Verwendung der Toilette angeregt habe: In seiner Jugend habe er Pornohefte konsumiert und aus Angst, von seinen Eltern entdeckt zu werden, in die Toilette gespült. Die Hefte hätten jedoch den Abfluss verstopft und wären von den Eltern entdeckt worden, als sie wieder hochgespült wurden.^[22]

Als weiteren Einfluss nennt Murch Hesses Roman Der Steppenwolf. Wie die Figur Harry Haller leidet auch Harry Caul an dem tiefen innerlichen Zwiespalt, einerseits ein Außenseiter seiner Umwelt zu sein, andererseits sich aber aufgrund seiner Schuldgefühle und seines Gewissens nicht von ihr lösen zu können und letztendlich an ihr zu scheitern. Harry Caul hieß in der ersten Drehbuchfassung in Anlehnung an Hesse „Harry Caller“, was später zu „Harry Call“ verkürzt wurde. Beim Abtippen des diktierten Skripts schrieb die Büroangestellte Coppolas jedoch das phonetisch gleich klingende „Harry Caul“ nieder.^[22] Coppola behielt den Namen bei, denn Caul ist die englische Bezeichnung für eine Glückshaube, eine Membran, von der manchmal Neugeborene bedeckt sind. Tatsächlich ist Caul im Film oft von durchscheinenden Objekten bedeckt. Man sieht ihn hinter Plastikvorhängen oder Plexiglasscheiben, und einen Großteil des Films trägt Caul einen transparenten Regenmantel, den er nicht einmal abnimmt, als er zu seiner Geliebten ins Bett steigt. Der amerikanische Filmwissenschaftler James W. Palmer interpretiert den Film daher als die Biografie eines ungeborenen Mannes,^[23] eines Menschen, der an seinem eigenen Geburtsvorgang zu einer moralischen Existenz leidet. Indiz dafür ist auch das oft kindliche Verhalten Harrys, zum Beispiel das Verkriechen im Bett, um nichts vom Mord nebenan mitzubekommen.

Das Gefühl der Paranoia und Überwachung setzt der Film besonders in seiner Kameraarbeit um. In der Eröffnungssequenz ist zu sehen, wie es in vielen Filmen der 1970er Jahre beliebt war, den Einsatz des Zooms. In einer langen und in der Brennweitenänderung zeitprogrammierten Einstellung^[22] fährt der Kamerablick von einer Position des Überblicks herab, heftet sich an den Hinterkopf der Hauptperson und verfolgt ihren Weg über den Platz. Ein erstes Indiz, dass das zentrale Thema des Films die Überwachungssituation ist, ist damit laut Gerard Naziri gegeben.^[20]

Viele Einstellungen sind statisch wie die einer Überwachungskamera. Handelnde Personen gehen aus dem Bild und man hört ihre Stimme aus dem Off. Als er den Bereich des Kamerablickwinkels verlässt, folgt eine Kamera Caul in seiner Wohnung zeitverzögert nach. Die letzte Einstellung zeigt Cauls Wohnung von der Decke aus und die Kamera schwenkt mechanisch hin und her wie die Überwachungskamera in einem Supermarkt oder öffentlichen Gebäude.^[6]

Bei einem Film, der sich mit Abhörmaßnahmen beschäftigte, kam dem Ton natürlich eine große Bedeutung zu. Produziert wurde der Ton auf Achtspurmaschinen^[24] und von Walter Murch, der gemäß Film Credits für Schnittkontrolle, Tonmontage und Re-Recording verantwortlich zeichnete, für den letztendlichen Mono-Mix abgemischt. Kennzeichnend für Murch’ Arbeit sind die verschwindenden und wiederkehrenden Stimmen der aufgezeichneten Unterhaltung und die Unterlegung mit verstörenden elektronischen Interferenzen.

Der Komponist des Soundtracks, Coppolas Schwager David Shire, verzichtete auf den Wunsch des Filmemachers hin auf eine große Orchestrierung und schrieb eine karge Filmmusik, die auf den Klängen eines einzelnen Pianos basierte, nur gelegentlich um einen tiefen Frequenzton ergänzt. Manchmal mit fast kindlichem Anschlag, manchmal mit bluesigen Anklängen, unterstützte die Musik das zurückgenommene Spiel Hackmans in der Charakterzeichnung. Der Soundtrack war bereits vor den Dreharbeiten fertiggestellt und wurde den Schauspielern vor dem Dreh vorgespielt, um ihnen zu helfen, das richtige Gefühl für die jeweilige Szene zu entwickeln.

Standards von Duke Ellington, Johnny Green, Edward Heyman und anderen sorgten daneben für die melancholische Grundstimmung.^[25]

1974 gewann Der Dialog bei den 27. Filmfestspielen von Cannes den Grand Prix.

Bei der Oscarverleihung 1975 für das Jahr 1974 war der Film für drei Oscars nominiert: Francis Ford Coppola hatte Nominierungen in den Kategorien Bester Film und Bestes Originaldrehbuch; Walter Murch und Art Rochester waren für den Besten Ton nominiert. Coppola stand damit mit sich selbst in Konkurrenz um die Oscars, denn Der Pate II war ebenfalls für den besten Film nominiert und gewann schließlich auch. Coppola ging mit drei Oscars für den zweiten Teil des Paten aus der Verleihung, doch Der Dialog blieb ohne Oscar-Auszeichnung.

Bei den BAFTA Awards 1975 wurden Walter Murch und Richard Chew für den besten Filmschnitt ausgezeichnet. Für den besten Ton erhielten Art Rochester, Nathan Boxer, Michael Evje und Walter Murch die Auszeichnung.

Das National Board of Review zeichnete Der Dialog in den Kategorien „Bester Schauspieler“ (Gene Hackman), „Beste Regie“ und „Bester englischsprachiger Film“ aus.

Bei den Golden Globes war der Film in den Kategorien Beste Regie, Bester Film, Bester Schauspieler und Bestes Drehbuch nominiert, erhielt jedoch keine Auszeichnung.

Der Dialog wurde 1995 in das National Film Registry aufgenommen.

• Francis Ford Coppola: The conversation: original screenplay. San Francisco: The Director’s Co., 1972. (Das Originaldrehbuch des Films)
• Ralph S. Singleton, Francis Ford Coppola: Film scheduling, film budgeting: workbook. Santa Monica, Calif.: Lone Eagle, 1989, ISBN 0-943728-07-X (Arbeitsbuch mit Budgetierungs- und Planungshilfen; enthält die Drehbuchvorlage)

• Peter W. Jansen und Wolfram Schütte (Hrsg.): Francis Ford Coppola. Hanser Verlag (Reihe Film 33) München Wien 1985, ISBN 3-446-14193-6.
• Ronald Bergan: Nahaufnahme: Francis Ford Coppola. Verlag Rowohlt Hamburg 1998, ISBN 3-499-60652-6.
• Gerard Naziri: Paranoia im amerikanischen Kino – Die 70er Jahre und die Folgen. Gardez! Verlag Sankt Augustin 2003, ISBN 3-89796-087-7.
• Gene D. Phillips: Godfather: the intimate Francis Ford Coppola. Lexington: University Press of Kentucky, 2004, ISBN 0-8131-2304-6.
• David Wilson: Sight and sound: a fiftieth anniversary selection. London: Faber and Faber, ISBN 0-571-11943-3.

• Der Dialog bei IMDb
• Der Dialog in der Online-Filmdatenbank

• Coppola und Der Dialog auf den Seiten des AFK Filmstudio Universität Karlsruhe e. V. (Memento vom 18. Mai 2007 im Internet Archive)
• Kommentar von Marc Ries über die Kameraarbeit in Der Dialog (Memento vom 27. September 2007 im Internet Archive)

• Essay von Brenda Austin-Smith über Der Dialog (Memento vom 7. Februar 2009 im Internet Archive)
• Ausführliche Inhaltsangabe von Tim Dierks mit Textzitaten

1. ↑ Freigabebescheinigung für Der Dialog. Freiwillige Selbstkontrolle der Filmwirtschaft, Juni 2009 (PDF; Prüf­nummer: 46 581 V/DVD/UMD).
2. ↑ ^{a b c d e f g} Bergan, S. 61–65.
3. ↑ Peter Biskind: Easy Riders, Raging Bulls: Wie die Sex Drugs und Rock’n’Roll Generation Hollywood rettete. Heyne Taschenbuch 2004, ISBN 3-453-87785-3, S. 149.
4. ↑ ^{a b c d} DVD-Audio-Kommentar von Francis Ford Coppola.
5. ↑ Biskind, S. 360.
6. ↑ ^{a b c d e f} Jansen/Schütte S. 105–114.
7. ↑ Gerald Peary: The Conversation, American Movie Classics Magazine, Herbst 2000.
8. ↑ Der Dialog. In: Deutsche Synchronkartei. Abgerufen am 27. April 2020. 
9. ↑ Studiocanal www.studiocanal.de/blu-ray/der_dialog-collectors_edition-blu-ray Studiocanal (Memento vom 1. Februar 2015 im Internet Archive).
10. ↑ ^{a b} Der Dialog. In: Rotten Tomatoes. Fandango, abgerufen am 15. Januar 2026 (englisch, aggregiert aus 141 Kritiken). 
11. ↑ ^{a b} Der Dialog. In: Metacritic. Abgerufen am 15. Januar 2026 (englisch, aggregiert aus 17 Kritiken). 
12. ↑ ^{a b} Lucia Bozzola: Der Dialog (Memento vom 7. Dezember 2016 im Internet Archive) bei AllMovie (englisch)
13. ↑ ^{a b} Der Dialog. In: Lexikon des internationalen Films. Filmdienst, abgerufen am 2. März 2017. 
14. ↑ ^{a b} Kritik vom 4. Februar 2001 auf den Seiten von Roger Ebert.
15. ↑ ^{a b} The 1,000 Greatest Films (by Ranking). In: They Shoot Pictures, Don’t They? 2025, abgerufen am 1. Februar 2025 (englisch). 
16. ↑ Bergan S. 157–159.
17. ↑ Infoblatt auf den Seiten des Gemeinschaftswerks der Evangelischen Publizistik e. V. (Memento vom 28. September 2007 im Internet Archive) (PDF; 29 kB)
18. ↑ Gene D. Phillips: Godfather: the intimate Francis Ford Coppola. Lexington: University Press of Kentucky, 2004, S. 82.
19. ↑ Trivia zu Staatsfeind Nr. 1 in der IMDb.
20. ↑ ^{a b c d e} Naziri, S. 73–119.
21. ↑ Dennis Turner: The Subject of The Conversation, Cinema Journal 24.4, 1985, S. 4–22.
22. ↑ ^{a b c} DVD-Audio-Kommentar von Walter Murch.
23. ↑ James W. Palmer: The Conversation: Coppola’s Biography of an Unborn Man, Film Heritage, 12.1, Herbst 1976, S. 26–32.
24. ↑ James Monaco: Film verstehen, Rowohlt Taschenbuch Verlag 2000, S. 126.
25. ↑ Bergan S. 159.